这一趋势显然跟短视频的普及有关 。 短视频的兴起带动了DJ土嗨歌的走红 ， 这些歌大多被用作背景音乐 ， 要么卡点换装 ， 要么手势舞 ， 或者干脆“社会摇”——制造气氛 ， 突出表演 ， 变成了土嗨歌的首要任务 。
在表演层面 ， 电子音乐拥有着巨大的优势 。 声音擅长制造空间感 。 由于人们感知声音取决于自己的位置与周遭的环境 ， 所以声音天然是空间的携带者 ， 甚至制造者 。
而由于听觉并不像视觉那样清晰与精准 ， 空间只能以一种模糊的姿态在声音中呈现 ， 这就更造成了音乐对空间阐释的想象力与创造力 。 音乐app中的“场景歌单”就侧面体现了音乐对空间的制造：写作业可以听什么歌 ， 运动可以听什么歌等等 。
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大张伟在电音综艺《即刻电音》 。
然而 ， 不同的音乐类型对空间的制造方式却不尽相同 。 在《通过噪音聆听：实验电子音乐的美学》一书中 ， 作者乔安娜·德默斯比较了交响乐与电子音乐的录制方式 。 贝多芬的交响乐录制会有一个相当明晰的前景 ， 或者核心活动区域 。 演奏者与听者的距离保持在5到30英尺 ， 并根据听众耳朵的轴线来居中录音设备的位置 ， 在技术上相应调整 。 由此 ， 听众得到了如同交响乐现场的声音体验——声音和自己有着一定距离 ， 它被当做一个欣赏的客体 ， 稳定而和谐 。 但电子音乐制造的空间截然相反 ， 前景的存在被取消 ， 声音仿佛从很近的地方呼啸而至 ， 持续的鼓点与节奏占据了耳朵 ， 调动你的五官 ， 仿佛置身于迪厅现场 ， 头顶灯球闪烁 ， 不由自主开始抖动摇摆 。 这是一种沉浸式的空间 ， 特别是当土嗨歌曲中的意义已被抹除时 ， 它便尤其适用于表演 。
吊诡之处也在此 ， 尽管土嗨歌曲能够让人尽兴释放自己的表演欲望 ， 它却制造了一个内向的表演空间 。 伴随着土嗨节奏 ， 人们在抖音中的表演行为 ， 大多只是一个人的表现 ， 占据着6英寸的手机屏幕 ， 通过剪辑和合成技术来实现最终效果 。 很少有超过3个人的表演活动 。 尽管会获得成千上万的点赞与评论 ， 但这些表演也不存在真正的现场观众 。 换句话说 ， 这种空间和现实有着明确的区隔 。
实际上 ， 抖音里的卡点、手势舞或者各类“摇” ， 稍微触碰到现实 ， 就会表现出巨大的格格不入感 。 抖音博主“王八卦”以顶着一张学霸的脸跳社会摇而出名 ， 但这些社会摇在抖音中饱受欢迎 ， 而受邀参加现场活动时则被网友评价为“舞姿尴尬无比” 。 抖音账号“土味挖掘机”近期展示一男子向女子当面跳社会摇的视频 ， 被嘲讽为“是在指挥交通”——哪怕仅仅呈现一个观众的视角 ， 这种表演形式也会显得极为难堪 。 而最近由网红“郭老师”等人带起的公共场合尬舞行为也风靡一时 ， 伴随着音乐《新欢渡旧爱（DJ版）》 ， 一两个人在人流前尬舞 ， 这种尴尬感恰恰成为了表演的看点 ， 还被称为“社交牛逼症” 。
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